EL ESPAÑOL A TODO GAS por Asinus

¡Fumata bianca! Ya tenemos nuevo director para el Teatro Español de Madrid: Mario Gas.
Catorce años de dirección a cargo de Gustavo Pérez Puig acompañado de su mujer, Mara Recatero, pasan a la historia poblados de algunas luces y bastantes sombras. Los cinco millones de euros al año que tiene como presupuesto ese teatro municipal hay que justificarlos con una programación un poquitín más arriesgada, digo yo; con todos los respetos debidos a “La Venganza de don Mendo”; con algo menos de respeto por cosas tan apolilladas como “Celos del aire”, en cartelera a la sazón.

El caso es que el curriculum de don Gustavo cuenta con méritos tales como haber estrenado, allá, en sus tiempos jóvenes, “Tres sombreros de copa”, de Mihura y “Escuadra hacia la muerte”, de Alfonso Sastre. Quién te ha visto y quién te ve.

A don Mario hay que concederle ahora el voto de confianza a que obligan la cortesía y las buenas maneras. Vamos a ver. Lejos de la mezquina argumentación localista que rueda por ciertos mentideros (¿catalanofobia o envidia?), hay que reconocer en este singular personaje la condición de “todoterreno”, polifacético, o como se le quiera llamar. Desde poner sobre los escenarios de Barcelona el “Full Monty” a la española, hasta dirigir ópera o hacer una película que no está nada mal: “El Pianista”…Y más, mucho más.
Tal vez sea un buen momento para preguntarse qué son o para qué sirven los teatros públicos. Respuestas habrá para todos los gustos:
¿Escaparates culturales a la salud y beneficio de los gobiernos municipales, autonómicos o nacionales que los pagan?
¿Teatros privados objeto de fuertes subvenciones y libres de todo compromiso con la calidad o el experimento?
¿Sumideros inagotables de dinero público sin repercusión en el precio de las localidades?
¿Tal vez teatros con las manos libres, gracias a ese dinero, para programar lo que no pueden permitirse (o no quieren) las empresas privadas; coliseos dedicados a difundir el teatro a precios asequibles entre públicos de muy amplio perfil social y cultural?
Parte de la respuesta queda en manos del nuevo director del Teatro Español, a quien deseamos suerte y, sobre todo, criterio.

Boadella, figura indiscutible y de referencia del teatro español, es al mismo tiempo un artista de reconocidísimo prestigio internacional. Els Joglars, que en este cada vez más vertigionoso y anguloso mundo en el que la voracidad comercial ha invadido el arte obligándole a doblegarse a las exigencias del mercado, aún conserva un estilo de hacer teatro artesanal y experimental. Els Joglars es la compañía privada más antigua de Europa.

Del 29 de noviembre al 3 de diciembre nuestra escuela acogerá un “Curso sobre Imbecilidad”, una curiosa enseñanza impartida por uno de los actores de la compañía catalana Els Joglars, que de forma intensiva intentará sacar el alma de imbécil que todos llevamos dentro de todos los alumnos del curso o, dicho de otra forma, intentar convertirnos en unos imbéciles en cinco lecciones.

Pep Vilá, ha estudiado con maestros de talla superior, de los que ha aprendido un arte que ahora quiere mantener vivo de la única forma que sabe, transmitiéndolo a las futuras generaciones. De las dos ramas del género clown, la que reivindica el género como revulsivo social y la romanticota que intenta hermanarnos en un empalagoso todo es maravilloso-todo sirve-todo es bueno, Pep elige sin pestañear la primera, que implica una postura revolucionaria ante la vida y está representada desde antaño por la figura del bufón, ese ser incómodo para el poder que metía el dedo en el ojo dando una visión sarcástica de cuanto acontecía.

“Reivindicar la figura del imbécil, declara Pep, es revolucionario. Su desconocimiento lo hace libre en esta sociedad en la que todo son compromisos, intercambio de favores. La falta de inteligencia lo hace inútil para la estrategia y también para el engaño, y eso lo convierte en un personaje puro, inocente y rabiosamente contemporáneo. Es, según mi punto de vista, uno de los pocos personajes que puede aportar un discurso nuevo y profundo sobre las cosas”.
Pero el objetivo del curso no es sólo realizar una toma de conciencia social sobre nuestro entorno, sino aportar a los actores nuevos instrumentos que aumenten la capacidad camaleónica de su inteligencia y su versatilidad.

“Desde el punto de vista actoral, añade Vilá, la reflexión sobre nuestra imbecilidad y la expresión del propio ridículo enriquecen no sólo el trabajo del actor creativo, sino también su personalidad. Por esa razón el curso no va dirigido sólo a gente que quiera dedicarse profesionalmente el clown, sino a todos aquellos que quieran aprender a desaprender, a jugar con inteligencia la propia imbecilidad y aprender de ella. La imbecilidad, igual que la locura, es una cosa innata en los humanos, todos llevamos un pequeño imbécil dentro, la libertad de hacerlo crecer o no, sólo depende de cada uno de ellos.

Pep Vilá, en la entrevista que realizó para la revista virtual de nuestra escuela, también quiso reflexionar sobre su trabajo en la compañía Els Joglars que, según el actor, es un lujo para cualquier profesional. La compañía, fundada por Albert Boadella hace cuarenta años –por lo tanto la más antigua de Europa dentro del teatro independiente- concibe la tarea del desarrollo de sus proyectos teatrales desde un punto de vista artesanal. La investigación está presente constantemente en el trabajo, que normalmente parte de meras ideas que van desarrollándose con la aportación de todos y así tomando cuerpo. Seis meses para preparar un trabajo, puntualiza Vilá, es un lujo que ninguna compañía independiente disfruta en nuestro país. Trabajar en Els Joglars es, para un actor, una posibilidad de desarrollo única.

En palabras del director del montaje, Guillermo Alonso del Real, que “Retablo Valle Inclán” sea el trabajo de fin de estudios de la primera promoción de la Escuela de Teatro del Ayuntamiento de Madrid, no quiere decir que no sea un trabajo realizado con criterios profesionales y con un elevado nivel de exigencia artística.
“En nuestra escuela –puntualiza Guillermo Alonso del Real- intentamos formar actores serios y rigurosos, actores que valoren el teatro como una aportación fundamental a la cultura y, por consiguiente, a la sociedad”.
La elección de Valle Inclán para esta primera promoción de alumnos obedece a los criterios del director del montaje, en cuya opinión, el escritor es uno de loa autores más importantes del teatro europeo y español, en cuyo perfil, obra y claves dramáticas han trabajado durante gran parte del curso.
El tratamiento escénico acudió a las esencias, más que en los elementos localistas o castizos. “Profundizar en la obra de Valle Inclán –añade Guillermo Alonso del Real- seguramente es ahondar en la esencia del teatro y, en consecuencia, en la esencia de la realidad. No es precisamente modesta la pretensión, pero tambpoco don Ramón era especialmente modesto. A su augusta memoria nos acogemos”.

RETABLO VALLE INCLÁN.
REPARTO:

La Avaricia: Sara Sánchez.
La Lujuria: Nora Callejo.
La Muerte: Miriam Jiménez.
La mozuela: Virginia Sánchez.
La raposa: María Ortega.
El afilador: Diego Jimeno.
La ventera: Bárbara Díaz.
El bulto del retaco: Elena Castelló.
Simeón Julepe: Diego Jimeno.
La encamada: Elena Castelló.
La Musa: Paula de León.
La Disa: Rocío Bello.
La comadre: Beatriz García.
Coro de críos: David Navares, Beatriz Rodríguez y Ángel Villalón.

Voz, canto y selección musical: Marga Delgado.
Expresión Corporal: Félix Estaire.
Escenografía: Mar Solís.
Vestuario: Teresa Antón.
Maquillaje y peluquería: Cristina Tomasa.
Iluminación: Kiko García.
Producción: Ángel Ferrero.
Diseño gráfico: Dossfotografía.

Dirección: Guillermo Alonso del Real.

La actuación en Zaragoza forma parte de un intercambio de escuelas municipales de teatro –la de Zaragoza y Madrid- que ya se realizó el año pasado. El evento tendrá una segunda parte durante el mes de junio, en el que los alumnos de la escuela de Zaragoza acudirán a Madrid el mes de junio para actuar en el Teatro Galileo, en el que nuestros alumnos también representarán RETABLO VALLE INCLÁN.

Pertenece a esa raza difícil de encontrar en este mundo nuestro actual de futilidad y plástico. Carlo Colombaioni representa la solera hecha solera, la contracorriente que nada a contracorriente: un buen vino que ha ido curtiéndose con los años en un mundo en el que el placer de la bebida se considera pecado.
La biografía de Carlo Colombaioni, maestro indiscutible del género clown en este mundo nuestro desteñido de hoy en el que incluso ese género ha ido quedándose descafeinado, rayano con el humor de facilón de bar de copas.
En Carlo Colombaioni el arte es una cualidad genética. Pertenece a una familia de comediantes cuyos orígenes arrancan en el siglo XVII, bebiendo de las ancestrales fuentes de la Commedia dell Árte. Nació en una caravana de circo ambulante, en el que sus padres trabajaban y creció entre trapecios, donde todavía niño comenzó a trabajar y a beber arte. Formó grupo con sus hermanos “Los Colombaioni”, a los que Fellini hizo protagonistas de su película “Los clowns”, colaboró con Dario Fo... El, siempre grande, estuvo al lado de los más grandes, anexionado a ellos por esa vía comunicativa que une a todos los maestros.
La más mínima anécdota radiografía al hombre con perfección de espejo. ¿Quieren saber cómo se conocieron Colombaioni y Federico Fellini? El joven Carlo leyó en un periódico que se encontró en la calle un anuncio en el que el ya entonces afamado director pedía perros amaestrados para participar en una película. Carlo, que llevaba tres días en ayunas, salió a la calle a pasear y tropezó con un perro abandonado que deambulaba por un vertedero. Sin pensárselo dos veces le ató una cuerda al cuello y se lo llevó a los estudios para que pasara el casting canino. Fellini, desesperado porque el perro le hizo perder toda la mañana y ni siquiera sabía ladrar, recriminó a Carlo. ¡Este perro no está amaestrado! Carlo, con toda la serenidad del mundo, contestó: sí, está amaestrado, lo que sucede es que los focos le ponen nervioso. A Fellini le maravilló tanto la desfachatez de aquel joven, que evidentemente trataba de engañarle, que terminó por contratarle a él en lugar de al perro.
Inútil intentar enumerar los festivales y certámenes internacionales en los que ha participado Carlo Colombaioni, imposible reducir en un artículo los nombres o ni siquiera el número de espectáculos de este clown pionero en despojarse de la tradicional nariz roja de payaso. La última vez que le vi, durante el VII Festival Internacional de Clown, en el que el participó con su espectáculo Carlo, quince minutos antes de la función él fumaba tranquilo en el holl anexo al teatro en el que todos los espectadores aguardaban para entrar. Llegó la hora de la función, el público pasó, Carlo entró el último. Un joven artista admirador de Carlo le preguntó a la salida, ¿maestro? ¿por qué sube el último. El contestó: para estudiar al público. Cada tipo de público exige una función distinta.
Protagonista en las tablas y también en su vida personal. La de Carlo ha sido una azarosa e intensa biografía sentimental. Varias mujeres y varios divorcios provocados, como él dice, por el desorden vital al que le condenó su profesión y por su propia “curiosidad”, exmujeres e hijos diseminados por varios países de Europa, nietos y casi bisnietos... El maestro Colombaioni –que esconde celosa y coquetamente su edad- ha sido padre recientemente. Su mujer, Catherine, treintañera y administradora de sus asuntos económicos, el pequeño Camil, que ya sabe caminar, y Carlo viven afincados en Francia.
Hasta hace una década trabajó en colaboración con su hermano Nani, formando el dúo Los Colombaioni. Hoy el maestro, muerto su hermano, trabaja en solitario. Ninguno de sus descendientes ha querido continuar la tradición familiar. Carlo es el último representante de la saga.
Gracias, maestro, por enseñarnos que, la vida no termina a los 25 años, como pretende inculcarnos esta sociedad de plástico.
Gracias, maestro, por enseñarnos que una excelente utilidad de un billete de cien dólares es emplearlo como combustible para encender un cigarro puro.
Gracias, maestro, por enseñarnos que “dar un bofetón” es un arte que se puede aprender.
Gracias, maestro, por todo.

En un alarde de humor acto de amor dedican el espectáculo a las Víctimas de las Religiones, agradeciendo a la Conferencia Episcopal y a la Jerarquía de las demás religiones su apoyo permanente en la consolidación de nuestras creencias.

Un último y humilde apunte (Nota de la autora): Se ha constituido una Asociación de Víctimas de las Religiones, de la que se dará noticia en la representación.

El pasado 16 de marzo el mundillo teatral se despertó con una buena noticia, la creación de una nueva asociación de Salas Alternativas, gestada el día anterior, 15 de marzo. El bautizo se celebrará cuando pormenores y pormayores administrativos concluyan, y pueda darse por definitiva la fundación.

La nueva criatura, que aún no tiene bautizo pero sí nombre, se llama ANEM (Asociación de Nuevos Espacios Escénicos Madrileños), y está compuesta por nueve salas. Cada una tiene su filosofía de vida y trabajo, sus peculiaridades y su modus operandi, las une sin embargo un contexto común: todas (salvo una de ellas) son salas sin licencia de apertura definitiva, en plena fase de lidia contra ese interminable vuelva usted mañana que es la burocracia.

Ese sinvivir es el que ha obrado de amalgama para anexionar los ladrillos antes sueltos y construir el edificio común que es hoy la asociación. La concejal socialista de cultura en el Ayuntamiento de Madrid, Rosa León, ha amadrinado la iniciativa, y está defendiendo el futuro y legalización de todas estas salas.

La iniciativa ha sido recibida con diversidad de opiniones en el contexto de las salas alternativas, que desde hace cuatro años arrastran una división, cuando la sala Triángulo abandonó la coordinadora de Salas Alternativas de Madrid y el Festival de Teatro Alternativo que todos los años se celebraba en Madrid también se dividió en dos: “Escena Contemporánea” y “ La Alternativa ”. En esa “diversidad de opiniones” ha habido de todo, incluso perplejidad y miedo ante la idea de que el poder y status que actualmente ostentan las salas alternativas se vea obligado a ser fragmentado. Los promotores de la nueva asociación ya han sido invitados tanto por la coordinadora como por la sala Triángulo a engrosar sus respectivas filas. Pero ANEM prefiere conservar su independencia y continuar lidiando por sí misma sus propias batallas, sin inmiscuirse en las del vecino.

Entre los promotores de la asociación están dos figuras punteras del panorama teatral: Juan Pastor y Teresa Valentín, con un extensísimo curriculum a sus espaldas. Ellos dos son los fundadores de la más joven de estas nuevas salas alternativas, “Guindalera Escena Abierta”, con pocos meses de vida.

Bienvenida ANEM. Viva la diversidad.

Salas pertenecientes a ANEM:
Guindalera Escena Abierta. C/Martínez Izquierdo 20. 91/ 361 55 21
Replika. C/Justo Dorado 8. 91/ 535 05 07
Sala TIS. C/ Primavera 11. 91/ 528 13 59
Espada de Madera. C/Calvario 21. 91/ 528 04 35
Lagrada. C/Ercilla 20. 91/ 517 96 98
Karpas Teatro. C/Santa Isabel 19. 91/ 539 62 36
Liberarte Teatro Estudio. C/Francisca Conde 7. 91/ 733 00 29
La nave de los locos. C/Francisco Guzmán 28. 91/ 560 14 79
Itaca. C/Canarias 41. 91/528 91 70

Este año, dicen sus promotores, Escena Contemporánea se ha vuelto más internacionalista, más de creadores. En total habrá 68 espectáculos repartidos en seis ciclos. Una tercera parte de esos espectáculos serán internacionales. Sus promotores vuelven a esgrimir números: en total habrá 157 funciones a cargo de 57 compañías. Los espectadores en general, los que hemos seguido todas las ediciones del certamen hasta llegar a este cuarto cumpleaños, apreciamos este año un crecimiento cuantitativo: más número de espectáculos que nunca.

Entre los ciclos más interesantes que componen el certamen se encuentra el “Ciclo Autor”. Otros años estuvo dedicado a Sarah Kane o Michel Azama. Este año está dedicado al alemán Botho Strauss. En el ciclo, siempre organizado en la sala Pradillo, dirigido por Vicente León, este año se podrán ver cuatro montajes de este interesante dramaturgo, novelista y ensayista germano, aparte de mesas redondas y conferencias sobre su obra y persona.

Hablar, aunque no fuera más que brevemente, de la larguísima lista de espectáculos de este festival sería tarea imposible. Nuestra misión no es intentar competir con la cartelera, sino recomendar, sugerir, entresacar de la inmensidad del cartel las valiosísimas perlas que no debemos dejar escapar.

Hecha la recomendación del ciclo autor, aquí llega la segunda: El Ciclo Experiencias, que cada año nos sorprende con sugerentes propuestas. Procuren no perderse “Las Tribulaciones de Virginia” (Teatro Mecánico), espectáculo del que sus creadores hablan en los siguiente términos: juntemos una barraca de feria, un circo y un puñado de juguetes móviles y autómatas movidos por poleas y pedales. Obtendremos este raro espectáculo mecánico donde sus protagonistas se valen de cacharros insuflados de vida para contar la historia de Valentín y Virginia, una historia que los Hermanos Oligor nos traen de Euskadi sobre la fuerza del amor o lo que nos pasa cuando nos golpean el corazon.

Festival Escena Contemporánea. Hasta el 29 de Febrero. Consultar cartelera o llamar a la Coordinadora de Salas Alternativas de Madrid: 91/360 44 08.

En espectáculos de cuentacuentos he oído y presenciado de todo: gente que referían la misma historia dos veces en la misma velada, bigardos y bigardas con complejo de ocurrentes que contaban nefastos chistes con insoportables moralejas que todos nos sabemos desde la escuela, organizadores que sin ningún tipo de preparación ni criterio contratan “al por mayor” a cualquier aspirante a gracioso que se preste a llenar su local aquella tarde...

La superproliferación, la improvisación, el “concualquiercosameapaño” y el estilo Saldos Arias no son buenos para la cultura. El Arte, como cualquier faceta de la vida, debe tener sentido, objetivos, base y peso. Y calidad.

Por eso resulta tan de agradecer la iniciativa de La Casa de América, que el 16 de enero estrenará su ciclo “Festival de Cuenteros Iberoamericanos”, que se extenderá durante todo el año, a razón de un artista por mes con sólo un día de actuación.

El Ciclo ha sido proyectado y programado conjuntamente con el Festival Internacional de Narración Oral “Cuenta con Agüimes”, organizado por este ayuntamiento canario hace años, el mejor certamen de cuentacuentos de nuestra península y uno de los más destacados a nivel internacional, al que acuden todos los años narradores de todos los confines del mundo.

El “Festival de Cuenteros Iberoamericanos” traerá a Madrid una selección de los mejores cuenteros de Iberoamérica. El ciclo se estrena nada más y nada menos que con Nicolás Buenaventura, hijo del dramaturgo y renovador escénico colombiano Enrique Buenaventura. Nicolás nos traerá un espectáculo creado por él mismo a partir de El Panchatantra, uno de los grandes clásicos de la literatura oral comparable a “Las mil y una noches”. De “El Panchatantra” se ha dicho que es el origen de todas las fábulas, desde Esopo a La Fontaine y Samaniego. El texto parte de una historia central, que narra la guerra milenaria que enfrenta a dos reyes y dos tribus: los cuervos y los búhos; para después ir hilvanando sucesivas historias. En su tiempo se decía que el buen ejercicio de la política era imposible si no se conocía esta epopeya.

Bienvenido sea este certamen y largos años de vida tenga.

Festival de Cuenteros Iberoamericanos. 16 de diciembre de 2004, a las 20 horas, en la Casa de América. Próximas funciones febrero, marzo, abril, mayo, junio, julio, agosto, septiembre, octubre, noviembre y diciembre.

Calendario anual de la muestra: Enero: Nicolás Buenaventura (Colombia), Febrero: Paula Carballeira (Galicia), Marzo Enrique Vargas (Colombia), Abril: José Campanari (Argentina), Mayo: Carolina Rueda (Colombia), Junio-Julio: Quico Gadaval (Galicia), Septiembre: Antonio López (Canarias), Octubre: Eraclio Zepeda (México), Noviembre: Moi sés Mendelewicz (Costa Rica) y Diciembre: Magdalena Lavarga (Madrid).

“Señor Pirandello, le llaman por teléfono” es, a su modo, un homenaje de Antonio Tabucchi a Luiggi Pirandello y Antonio Pessoa. La obra trascurre en un manicomio, en el que el director del centro, al que alguien ha hablado de una maravillosa y productiva terapia, contrata a un actor para que entretenga y alivie a los enfermos. El actor, que llega acompañado de un anecdótico y nada vanal personaje, un ciego con el que ha compartido correrías y oficio durante años, finge ante los enfermos ser Fernando Pessoa, que llama a su admirado Luiggi Pirandello por teléfono, e inicia para ellos un soliloquio que pretende en sus inicios ser reflexión sobre su vida y termina siéndolo sobre la existencia con mayúsculas.

Ese sencillo mecano estructural da pie a una situación llena de alegorías. El cómico, los cuatro dementes y el ciego, que toca un organillo al que sus cuerdas no le permiten extraer sonidos, forman un extraño cuadro de seis personajes, los mismos que la famosa obra de Pirandello “Seis Personajes en busca de autor”. La composición teatral evoca constantemente al genial dramaturgo italiano y su texto también genial poeta luso Fernando Pessoa. Cada frase que Tabucchi pone en boca del cómico que lleva todo el peso de la obra es poesía de muchísimos kilates, pura poesía empapada de la melancolía tan propia de Pessoa, melancolía que en Tabucchi, pese a haber vivido años en Lisboa y poseer en muchos de sus escritos cierto deje del carácter de ese país, no define el carácter matriz de su obra.

“Vivir, qué equilibrio y qué cansancio”, “Vosotros, pobres locos atados al hilo de vuestro hoy”, “Qué locura querer sentir que lo que se siente existe”, “Tragedia y comedia las vivo como si fueran la misma cosa” y otras frases similares empapan de belleza este texto dramático de Tabucchi a través del que respira y resucita el espíritu de Pessoa y a través del que el espectador va sucumbiendo paulatinamente al éxtasis. La resolución final, circular como toda resolución laberíntica, en la que el propio actor queda atrapado no ya en el manicomio sino en la situación de demencia que lo empapa todo, es excelente desde el punto de vista dramático.

Magistral la interpretación de Miguel Torres, actor que lleva el peso de toda la obra y al que los otros cinco personajes, perfectamente perfilados gracias a sus silencios y a sus breves intervenciones, acompañan. Un soliloquio-monólogo, tan dado al histrionismo o la exageración, es una prueba de fuego para cualquier actor de la que él, comedido pero lleno de fuerza al mismo tiempo, sale más que victorioso.

El montaje también está dirigido por él, cofundador, puntal y espíritu del Teatro Lagrada, el último espacio que se ha incorporado a la Coordinadora de Salas Alternativas de Madrid y que desde sus tres años de funcionamiento ha realizado una coherente y brillante programación, en la que no han faltado textos de Becket, Ionesco o Genet. Toda una lección para otras salas alternativas, que en nombre de la ultramodernidad prefieren estrenar montajes de novísimos y renovísimos sin talento ni fundamento, restando espacio a la calidad y a la maestría dramática de toda la vida y privando de paso a los espectadores del goce de un buen puñado de obras maestras.

Artículo/Crítica de la obra “Señor Pirandello, le llaman por teléfono”, de Antonio Tabucchi. En el Teatro “Lagrada” (calle Ercilla 20, 91/5179698) hasta el 25 de enero.

Son contadas las ocasiones en que Madrid acoge una propuesta teatral tan ambiciosa como la que Manuel Canseco se ha atrevido a llevar a cabo sobre las tablas del teatro Galileo. Bajo el título de "Ciclo Tebano", se recogen tres de las tragedias más significativas de Sófocles, a saber, "Edipo rey", "Edipo en Colono" y "Antígona", así como una cuarta obra, "Eteocles y Polinices" , que no es sino el resultado de la fusión de "Los siete contra Tebas" de Esquilo y "Las fenicias", de Eurípides, realizada de manera ejemplar por el propio Manuel Canseco en un intento de hacer mayor la comprensión de la moira de Edipo y su estirpe.
La tenue luz y la música arcaica, distorsionada desgraciadamente debido al uso de los equipos de audio modernos, nos acompañan al entrar en el todo escénico en el que se ha convertido el teatro Galileo, y donde sólo quince actores y actrices se reparten el peso de la titánica interpretación. Decimos titánica, porque este culto a la tragedia, podemos disfrutarlo en una sóla sesión de unas seis horas y media de duración que tiene lugar los sábados. Pero tranquilos, porque también se ha pensado en el espectador de natural inquieto, quien tiene la posibilidad de disfrutar del espectáculo en una sesión de menor duración, pero en la que sólo se representan dos de las tragedias; bien las que versan sobre el personaje de Edipo, bien las que tratan de los hijos de éste.
En lo que atañe a la interpretación, cabe destacar la plasticidad, color y ritmo de los coros, lo cual compensa el hecho de que hay partes del texto que se dicen con una ligereza excesiva, cuando son fundamentales para que quede perfectamente claro en el respetable, la estrecha relación que existe entre el nacimiento de la tragedia y el nacimiento de la democracia en la polis griega. Sin embargo, esto no es óbice para perderse tamaña iniciativa, dado que estoy segura, pasará mucho tiempo antes de que otro enamorado de Melpómene, se atreva a rendirle tan especial tributo.

GALILEO TEATRO Galileo, 39. Metro Quevedo. Tel.915932310
EDIPO REY y EDIPO EN COLONO Martes y jueves 19 h. Precio: 16 euros.
ETEOCLES Y POLINICES y ANTÍGONA Miércoles y Viernes 19h. Precio: 16 euros
CICLO TEBANO (las 4 obras) Sábado 18 h. Precio: 25 euros.

Una de esas escasísimas perlas, y brillante como ellas, es Leo Bassi. El genial showman, dueño de una portentosa y extravagante inteligencia. El cómico italiano, que luce orgullosamente ese calificativo que a otros suena a peyorativo –tanto peor para ellos- repone este mes de diciembre el celebrado espectáculo con que se dio a conocer en nuestro país. “Instintos Ocultos”, tal es el nombre de la dosis de ingenio que Leo nos ofrece, es puro humor inteligente, humor nada blanco y nada suave, y por encima de todo una auténtico paseillo por el oficio de ser payaso que él, maestro como pocos, dignifica cada día. “Actuar no es sólo complacer al público –puntualiza el insigne italiano- sino llevar al público a una experiencia llena de emociones para hacer sentir a los espectadores que lo que están viendo-viviendo es un momento exclusivo en sus vidas. Buscar ese momento mágico, sin el cual no existe el espectáculo, es mi objetivo final”.

El, descendiente de una familia de comediantes, él, que carga a sus espaldas con una tradición de casi siglo y medio de ese difícil arte de hacer reír a fuerza de hundir el dedo en la llaga sabe de lo que habla.

Espectáculos como el suyo, oportunidades como esta, bien podrían como milagro bíblico de los panes y los peces, multiplicarse en nuestra cartelera.

No pierdan la oportunidad.

INSTINTOS OCULTOS. Teatro Alfil. Estreno 4 de diciembre de 2003.